Formé à la gravure, à la lithographie et au dessin, notamment à Gand, Peter Depelchin, par son tracé alternativement réaliste, caricatural, abstrait et fantastique, restitue des univers imaginaires à partir de traces picturales du passé. Son but : créer une symbiose entre l’histoire de l’art, la littérature et le monde actuel par une iconographie d’essence visionnaire.

Appréciation du jury : « Son univers s’enracine dans des références aux motifs mythologiques, à la Renaissance, à Bruegel, à Rubens, mais aussi à l’astrophysique, notamment aux « trous noirs ». Sa virtuosité frappe d’emblée, mais ce qui retient, c’est la force de son univers poétique ».
Site : www.peterdepelchin.org

The French man, pen, ink and bister on tissue paper, 75 x 100 cm, 2016

Michiko Van de Velde tente d’immortaliser les traces de la lumière, source de vie et d’énergie. Des traces qu’elle recrée, dans chacune de ses propositions, sous l’œil de ses deux cultures, japonaise et belge (diplômée de La Cambre). Tout au long de l’année, l’artiste a rendez-vous avec le soleil, dont elle suit la trajectoire pour ressentir la vitesse de rotation de notre planète.

Appréciation du jury : « Elle traque la lumière, sa vitesse, et le passage du temps. Au Japon (une de ses cultures d’origine), il existe 158 mots pour désigner les différents états de la lumière. Michiko Van de Velde s’attache à chacun d’eux, en équilibre sur la crête entre la science et le sensible ».

Site : www.michikovandevelde.com

Lumières, huile sur toile, 42×35 cm, 2020.

Antoine Waterkeyn transforme des productions picturales en fichiers numériques qu’il imprime et entend faire accepter comme œuvres à part entière, racontant une histoire que le spectateur est convié à reconstruire à sa guise. Son rêve est d’élaborer une « Comédie humaine totale » dans laquelle tous les personnages danseraient.

Appréciation du jury. « Le jeu, l’énergie et l’imagination : il y a dans le travail d’Antoine Waterkeyn une fulgurance qui vient du tréfonds de sa personnalité. Il s’approprie des archétypes, comme les personnages du tarot, Peter Pan ou Pinocchio, et les dépose en équilibre sur la frontière entre sculpture et peinture ».
Site : https://fredferry.com/antoine-waterkeyn

(détail) Rien que la vérité (panneau d’un tryptique), laque sur panneau, 210 x 120, 2014

Formée à Paris et à Bruxelles, Aymeraude du Couëdic s’en prend de front à une société axée sur le contrôle et qu’elle nomme « panoptique ». Travaillant uniquement en noir et blanc, elle signifie ainsi l’uniformisation des individus, tous assujettis aux exigences d’un regard normalisé. La foule silencieuse, les passages et les passants sont ses thèmes privilégiés.
Appréciation du jury: « En utilisant un medium très classique, le dessin, elle réalise des installations qui parlent de la société contemporaine. Sa technique époustouflante est mise au service d’un propos sur l’altérité. Le décalage entre l’hyper-réalisme du propos et l’usage exclusif du noir et blanc donne une grande force à son travail. Dans ses œuvres, c’est sa génération qui nous regarde ».
Site : https://cargocollective.com/aymeraudeducouedic

Chez Cyrille Aron, qui vient de la bande dessinée et de l’illustration, le réalisme du dessin n’est qu’une porte ouverte vers des mondes invisibles. Ayant découvert récemment la peinture à l’huile, il explore de nouveaux supports, comme le dessous des skateboards, et nous fait pénétrer dans un univers où les objets les plus triviaux prennent valeur de symboles. Site : https://cyraron1.wixsite.com/cyrillearo

Mirabilia, huile sur toile, 60 x 40 cm, 2020

Venu de Bagdad avec une formation de sculpteur, Bilal Bahir se passionne pour la diversité des cultures, dans une perspective historique. Son œuvre questionne principalement la place de l’individu dans les conflits et changements qui secouent le monde et touchent l’être humain dans son identité. Comme un scénariste, il déploie sa réflexion à l’aide d’images d’événements réels ou rêvés. Site : www.bilalbahir.com

Ball Collector 2020 et When I Was a Little Prince – 2020

Artiste touche-à-tout, Priscilla Beccari s’exprime par la vidéo, la sculpture, l’installation, la photographie, la performance, le dessin et même la musique. À la lisière de l’humour noir, entre effondrement et effronterie, elle combine érotisme, féminisme, allusions à l’actualité, et cultive systématiquement le trouble, le soufre et l’étrangeté, avec des échappées vers le surréalisme. Site : www.priscillabeccari.com

Femmes et renards, encre de Chine sur papier vernis, 77 x 192 cm, 2020

Formé à Toulouse et à Bruxelles, Jean-Baptiste Brueder, élabore une œuvre à la limite entre l’architecture, la sculpture, le moulage et la gravure – mais principalement la gravure. Illustrer la fragilité des fondations est pour lui une manière métaphorique de traiter de certaines formes de blessures présentes dans toute structure, humaine, architecturale ou sociétale. Site : instagram@jeanbaptistebrueder

Alcôve, fusain sur papier, 300 x 400 cm, 2017

Les peintures d’Alexandre Clanis suggèrent une réflexion sur l’impalpable et l’indicible. Réalisées au sol par soustraction de matière, puis dressées sur les murs, elles ressortissent d’une forme d’automaticité. Architecte de formation, ayant grandi parmi des rouleaux de tissu imprimé, l’artiste interroge par ses œuvres à la fois l’inconscient et la relation à l’espace. Site : www.alexandreclanis.com

Encre et acrylique, 210 x 300 cm

Laurent Dumortier développe sa pratique artistique autour de ses souvenirs de moments vécus, rêvés ou fantasmés. Il explore notamment l’univers des fantasmes nocturnes. Son travail sur les paysages d’Écosse interroge la perte d’horizon, l’oubli, le parcours et la solitude du voyageur qui tantôt s’égare, tantôt trouve des zones réconfortantes pour le regard. Site : www.laurentdumortier.com

04h17, fusion, crayon de couleur, aquarelle et acrylique sur papier dessin, 50,2×57,4cm.2020

Julien Fallessen utilise et détourne à la fois les techniques classiques du dessin figuratif pour faire pénétrer le spectateur dans le ventre obscur du réel et en faire ressortir les aspects apocalyptiques, voire monstrueux, que notre regard occulte et que notre imagination refuse. On passe d’un seul mouvement, et dans un même sujet, de la quiétude à l’anxiété. Site : julien.fallesen2@patricia007

Marine, acrylique sur toile, 70x50cm, 2019

Envoûté par le spectacle des friches industrielles de son enfance hainuyère et issu d’une formation orientée vers la sculpture et le design, Rémy Hans utilise la gravure et le dessin pour recréer des espaces, des structures, des constructions troublantes et énigmatiques qui à la fois évoquent et détruisent le passé, soulignant l’antagonisme entre nature et culture. Site : www.instagram.com/remy.hans1

La danse du vent, graphite sur papier, 25 x 16 cm, 2019

Julia Lebrao Sendra plonge dans sa double culture européenne et brésilienne pour confronter deux regards sur l’imaginaire. Ici, l’imaginaire est associé à l’illusoire, au mensonge, tandis que là-bas il appartient au quotidien et possède une emprise sur le réel. Ses tissus et ses tableaux ont pour objectif de nous aider à déchiffrer cette énigme. Site : instagram@julialebraosendra

L’ombre et l’embrun, (détail), peinture sur textile 300x400cm, 2020

Formé à Strasbourg, Berlin et Paris, Franck Rausch nous plonge dans un univers quotidien transfiguré par son regard et sa palette qui défient les clichés pour les transcender. Il extrait de la réalité des fragments, des détails et des objets a priori triviaux qui se répondent et dont il se sert pour créer un monde et en imaginer les avenirs possibles. Site : www.franckrausch.de

Conversation avec un fantôme, huile sur toile, 100x120cm, 2021

Dessinateur et peintre, Guillaume Thunis a décidé il y a deux ans de consacrer tout son temps à son art, un art subtil qu’il pratique dans une sorte d’état méditatif et extatique. Le rapport au temps est son obsession. Le cycle du temps, il le dessine dans un espace fait de silence et de solitude. Une expérience indispensable, selon lui, pour se libérer. Site : www.guillaumethunis.com
Encre sur papier, 31x41cm, 2021